Советский модернизм: 10 зданий, которые вы считаете уродством, а мы — красотой

В издательстве музея «Гараж» вышел путеводитель по архитектуре модернизма — самой спорной и недооцененной в московском наследии эпохи. Из сотни зданий, построенных во времена от Хрущева до Горбачева, «Афиша Daily» выбрала 10 любимых.

источник daily.afisha.ru

9-й микрорайон Новых Черемушек

Воплощенная мечта эпохи о жилой среде малого типа с малогабаритной квартирой для каждой семьи

Опытно-показательный 9-й квартал Новых Черемушек — первый советский микрорайон, застроенный домами с малометражными квартирами, рассчитанными на одну семью. Его проектирование в Специальном архитектурно-конструкторском бюро (САКБ) началось еще до принятия в июне 1957 года постановления ЦК КПСС, предписывающего решить жилищную проблему в течение 10–12 лет. На участке меньше 12 гектаров на юго-западе Москвы одновременно испытывались принципы комплектации и планировки микрорайона, его благоустройства и ландшафтного оформления, типы домов, новые конструкции и строительные материалы, планировки квартир, образцы сантехнического оборудования, встроенной мебели.

АРНО VS. ПИНО: КАК ПРОТИВОСТОЯНИЕ МИЛЛИАРДЕРОВ МЕНЯЕТ АРТ-РЫНОК

17 ОКТЯБРЯ 2017    источник in-art.ru

История противоборства французских миллиардеров-коллекционеров

Текст: Дарья Житкова

Два самых влиятельных французских бизнесмена и коллекционера — Бернар Арно (№11 в списке Forbes, состояние — $41,5 млрд) и Франсуа Пино (№63, состояние — $15,7 млрд) — конкурируют со времен битвы за Gucci Group в 2001 году. Gucci Group досталась Пино. И тут началась дуэль в области современного искусства.

Битве титанов рукоплещет вся Франция: меценаты и коллекционеры строят новые музеи, продюсируют выставки, оптом закупают работы современных художников, в общем, работают как Министерство культуры, Центр Помпиду и Пале де Токио, вместе взятые. Сегодня во Франции современному художнику для успеха необходимо, чтобы на его работу положил глаз или Бернар Арно, или Франсуа Пино. Третьего не дано.

БЕРНАР АРНО

Семья Бернара Арно на вечере Louis Vuitton, слева направо: Элен Мерсье, Бернар Арно, Наталья Водянова и Антуан АрноСемья Бернара Арно на вечере Louis Vuitton, слева направо: Элен Мерсье, Бернар Арно, Наталья Водянова и Антуан АрноФото DR

Выход в регионы — наш долг

Директор Третьяковской галереи рассказывает о том, зачем столичный музей везет свои шедевры в провинцию

ЗЕЛЬФИРА ТРЕГУЛОВА источник theartnewspaper.ru

13 ОКТЯБРЯ 2017
Зельфира Трегулова. Фото: Юрий Чичков

Зельфира Трегулова. Фото: Юрий Чичков

Когда в начале 2015 года я пришла на должность, я стала получать одно за другим отказные письма от директоров региональных музеев, в которых были запланированы выставки из нашего собрания. Причина была одной и той же — отсутствие финансирования. Тогда мы поняли, что если сами не возьмемся за решение этой проблемы, то жители регионов, которым сегодня безумно сложно и дорого выбраться в Москву или Санкт-Петербург, окажутся отрезанными от того, что хранится в центральных музеях, от того лучшего, что создано в русском искусстве.

Прежде всего нужно было найти финансирование. Это оказалось возможным благодаря, например, работе с нашими парт­нерами, у которых есть градообразующие предприятия в регионах. В других случаях стали помогать местные власти — как происходит сейчас с нашей выставкой в Челябинске или с выставкой, прошедшей в 2016 году во Владивостоке. Но все же большинство региональных проектов теперь осуществляется на спонсорские деньги.

Тайная жизнь на картинах голландского Золотого века: Зазеркалье в реальности

источник artchive.ru

Шедевры большинства живописцев Золотого века Голландии к концу XIX столетия пылились в чуланах или вовсе отправлялись в растопку. Ведь что может быть скучнее созерцания музицирующих аристократов и подвыпивших крестьян, задумчивых юношей и девушек в тиши внутренних комнат, суровых малолюдных пейзажей с неизменными мельницами и коровами да роскошных букетов в центре стола? И сейчас посетители музеев скользят равнодушным взглядом по галантным кавалерам и чопорным дамам, служанкам на кухнях и роскошно сервированным столам.
Но почему голландцы XVII века так ценили эти картины? Знать и простолюдины готовы были выкладывать немалые деньги только лишь за мастерство, с которым художники изображали привычный быт? Нет. Живопись Золотого века Голландии — не обычное отражение мира, но Зазеркалье со множеством деталей, раскрывающих неожиданные истории и смыслы.
Нужно лишь знать, как их расшифровать.

Анна Эрман: «Если не будет такого счастья, как смелый заказчик, декоратору придется работать для себя»

Анна Эрман творит волшебство из самого обычного — того, что можно купить на вернисаже в Измайлове или на платформе Удельной. Волшебство заключается в том, что любой предмет может изменить пространство до неузнаваемости, если его правильно подать.

Анна умеет выхватить из безбрежного моря безликих, одинаковых, серийных вещей две-три, которые достаточно соединить вместе, чтобы получить новый смысл, эмоцию, атмосферу, добавить в свою жизнь новое содержание и посмотреть на самого себя другими глазами. Всё это сегодня входит в полномочия декоратора.

Кто они, коллекционеры китайского искусства?

источник south-insight.com

ГонконгНа аукционах Сотбис в Гонконге царит оживление

Последние несколько десятков лет весь мир наблюдал рождение сверхновой – китайское экономическое чудо заставило изумиться сначала предпринимателей, а затем и коллекционеров искусства – открывающиеся перспективы просто головокружительны. В первую очередь сами китайцы, а затем и иностранцы стали все чаще выбирать китайские имена для своих коллекций. Это двусторонее движение навстречу друг другу в конце-концов вынесло китайский арт-рынок на небывалые высоты. Тогда это была яркая вспышка, породившая рождение звезды, но что же мы видим сейчас?

МНОГОСЛОЙНЫЙ ВНУТРЕННИЙ РЫНОК: ОТ ЗОЛОТОЙ МОЛОДЕЖИ К «ГОЛУБЫМ ФИШКАМ»

С тех пор, как Китай начал активно развиваться экономически, а население стало получать больше материальных благ, постепенно насыщаясь ими, люди обратили свои взгляды на искусство, начиная стихийно приобретать практически все без разбора. Это стало способом подчеркнуть свой статус, духовную развитость и умение понимать прекрасное. Однако, любой хаос стремится к упорядочиванию, и сейчас на внутреннем рынке искусства появляется новое поколение коллекционеров, а структура постепенно формирует несколько основных слоев.

Японский бог — Такаси Мураками

Работы мэтра с завтрашнего дня показывают в «Гараже»

28 СЕНТЯБРЯ 2017 ОБНОВЛЕНО 2 ОКТЯБРЯ 2017 АННА ФЕДИНА источник vogue.ru

Японский бог — Такаси Мураками

ТАКАСИ МУРАКАМИ

В студии Такаси Мураками в промышленном пригороде Токио солнце не заходит никогда. Потому что его просто не видно. Мастерская главного японского художника современности занимает ог­ромный, на восемь тысяч квадратных метров, ангар, где две сотни сотрудников (еще столько же трудятся в нью-йоркском подразделении компании) работают двадцать четыре часа в сутки — в две смены, без выходных и с отпуском на три дня в году. Это конвейер в полном смысле слова: если где-то возникает пауза, останавливается работа на всей фабрике, поэтому на съемку после многомесячных переговоров фотографа пускают в одиночестве, только на полчаса и берут клятву никого не отвлекать. Кажется, на атомную электростанцию попасть было бы легче.

Что смотреть на 7-й Московской биеннале современного искусства

Бьорк, «битва инвалидов», японский поп-арт и еще 7 выставок, которые нельзя пропустить

Что смотреть на 7-й Московской биеннале современного искусства — Гид The Village на The Village
Седьмая Московская биеннале современного искусства стартует 19 сентября: в этот день в Новой Третьяковке открывается основной проект «Заоблачные леса» при участии Бьорк и ее бывшего мужа Мэтью Барни, а выставки параллельной программы, как водится, будут разбросаны по всему городу.

Впервые в Москве скульптуры и фотографии Бранкузи

Работы Константина Бранкузи, радикально изменившего язык скульптуры, покажут в Мультимедиа Арт Музее — впервые в России

КАРА МИСКАРЯН источник theartnewspaper.ru

12 СЕНТЯБРЯ 2017
Константин Бранкузи. Спящая муза. 1910. Полированная бронза. 16 x 27,3 x 18,5 см
Дар баронессы Рене Ираны Франшон, 1963 
Инвентарный номер: AM 1374 S
Собрание: Центр Помпиду, Париж
Национальный музей современного искусства — Центр Промышленного творчества
© Adagp, Paris
Фотография © Центр Помпиду, Национальный музей современного искусства — Центр Промышленного творчества / Адам Жепка / Распространение: Объединение национальных музеев — Гран Палэ

Выставка Константина Бранкузи (1876–1957), крупнейшего скульптора первой половины XX века, приедет в Мультимедиа Арт Музей из Центра Помпиду и, несомненно, станет одним из самых заметных событий 7-й Московской биеннале. Во-первых, потому что она — первая в России. Во-вторых, речь идет о фигуре, которая радикально изменила язык скульптуры. Все началось в Париже, куда молодой Бранкузи, поучившись в Школе изящных искусств в Бухаресте, добрался в 1904 году (по легенде пешком). Как скульптор к этому времени он уже успел получить признание у себя на родине в Румынии.

Текст об актуальном искусстве

Текст: СЕРГЕЙ ПОПОВ 12.09.2017  источник artguide.com

В 1948 году в Нью-Йорке в редакции журнала Life состоялся круглый стол на тему современного искусства. Вопросы, вынесенные на повестку, подкупали прямотой: «Современное искусство — это хорошо или плохо? То есть следует ли ответственным людям поддерживать его, или же они должны пренебречь им как незначительной и переходной стадией культуры?» Историк искусства, куратор Сергей Попов сравнивает дискуссию полувековой давности с современными терминологическими изысканиями российского Минкульта и разъясняет нюансы понятия «актуальное искусство» в постсоветской реальности.

Владимир Янкилевский. Триптих № 14. Автопортрет (Памяти отца). 1987. Смешанная техника. Государственный Русский музей

Давно хотел написать об этом термине подробно. Повода все не было. Злосчастный циркуляр Министерства культуры РФ предоставил эту возможность. Речь идет об «актуальном искусстве», каковому наш Минкульт взялся дать определение. Значит, стоит рассмотреть его подробнее — и в ответ определиться: во-первых, что это за понятие; во-вторых, можно ли согласиться с его чиновничьей трактовкой; в-третьих, зачем вообще термин, давно потерявший, простите за тавтологию, актуальность, понадобилось вводить в официальный документооборот.

Александр Кроник: «Долго не осознавал, что я коллекционер»

Один из первых коллекционеров, каталогизировавших свое собрание (издание «Свой круг. Художники-нонконформисты в собрании Александра Кроника» вышло в 2010 году), рассказал ARTANDHOUSES о том, как важно раскинуть коллекционерские «сети», чтобы выловить нужные для собрания произведения, о риске при приобретениях работ ушедших художников и важности деталей в собирательстве.

Зельфира Трегулова О новой музейной реальности, оптимизации и реконструкции здания на Крымском Валу в Третьяковке

7-1-1.jpg
Директор Третьяковки хотела бы, чтобы
коллекция пополнилась работами молодых
художников. Фото PhotoXPress.ru

О том, что мир, зрители и музеи изменились и продолжают меняться, говорят очень давно. О том, как музеи справляются с вызовами новой реальности, о расширенном музейном штате, о лакунах в собрании, о том, как музею не падать ниже определенного уровня, и о том, чего она ждет от молодых сотрудников, директор Третьяковской галереи Зельфира ТРЕГУЛОВА рассказала корреспонденту отдела культуры «НГ» Дарье КУРДЮКОВОЙ.

Русское искусство в поисках себя. Художник Владимир Дубосарский — о том, как устроена современная арт-индустрия

источник www.litfund.ru

Владимир Дубосарский с 1994 по 2014 год работал в соавторстве с Александром Виноградовым, создавая полотна в жанре монументального псевдореализма. Сейчас эти картины находятся в коллекциях Третьяковской галереи, Русского музея, Центра Жоржа Помпиду (Париж), Музея современного искусства (Хьюстон) и во многих других. За последние три года у Владимира Дубосарского прошло восемь персональных выставок.

— Какое место сейчас занимает русское изобразительное искусство в мире?

— Если быть объективным, то место современного русского искусства в мировом культурном процессе невелико. Для этого есть много причин, но базовая — то, что русское современное искусство в него не интегрировано. Есть ряд международных выставок, которые представляют собой смотр идей и художников, и на них обычно бывает один, два, три художника из России. Зачастую это может быть связано с системой неких квот, которые подразумевают, что на выставке такого уровня должны быть представлены художники из Африки, из Латинской Америки, и для Восточной Европы тоже выделяется несколько мест. Это не совсем так грубо, но в каком-то смысле это именно так и выглядит. Я не представляю себе международную выставку, на которой будет половина русских художников, если только это будет не выставка русского искусства. Если рассматривать современное искусство как индустрию, а она таковой и является, потому что задействует большие человеческие ресурсы и производит колоссальное количество событий и финансовых потоков. Есть страны — лидеры этой индустрии: США, Китай, Англия, Германия. Периодически возникают модные тренды вроде бразильского искусства или индийского, которые, может быть, не задерживаются надолго, но на три-пять лет они становятся модными. А Россия рассматривается (о чем не принято говорить, но я так думаю) как часть Восточной Европы, как Польша или Чехия. Главная проблема в том, что русское искусство само себя не осознает. Оно себя не описывает, потому что нет настоящего серьезного дискурса. Все находится в полуфеодальном состоянии.

«Верующий человек — оптимист, знает, чем все закончится и в чем смысл. Ты проживешь, сколько проживешь, так оставь о себе добрую память». Михаил Копьев

Вологда простилась с художником Михаилом Васильевичем Копьевым,  который занимал особое место в сердцах жителей города. Именно Михаил Копьев вернул в художественный обиход Вологды 1980-х годов искусство живописной тематической картины. Развивая лучшие традиции русской и европейской школ живописи, Копьев нашел свою стилистику и собственное образное отражение идей времени. Библейские и евангельские сюжеты, над которыми работает художник на протяжении всех лет творчества, отражают не только его собственные размышления о мире, но и созвучны идеям, волнующим всех нас сегодня. Творчество Копьева Михаила Васильевича было и останется явлением не только в культуре Вологды, но и России.

Михаил Копьев 13.05.1947-19.08.2017

фото Валерий Талашов

19 августа 2017 ушел из жизни замечательный художник, человек Михаил Васильевич Копьев.
Искренние соболезнования приношу семье, родным и близким Михаила Васильевича Копьева
Преждевременная смерть Михаила Васильевича – это большая боль и утрата для отечественной культуры.  Лучшей памятью о нем остались его работы, наполненные светом и искренностью, любовью к людям, к своей Родине. Он, как поэт, воспевал то, о чем думал, что хотело его сердце, вкладывал в свои произведения не только труд, но и частицу себя, свои мечты, философское отношение к миру. Общение с ним всегда было наполнено теплотой и радостью.

Нина Суетина: «В Нью-Йорке я как будто попала в мир Малевича»

источник artguide.com

Нина Николаевна Суетина — архитектор, дочь художников Николая Суетина и Анны Лепорской, самых близких и преданных учеников Казимира Малевича. Сейчас ей под восемьдесят, но она до сих пор бодра и продолжает работать в созданном ею в Санкт-Петербурге архитектурном бюро. Об отце, о родной и приемной матери, о собственной архитектурной карьере и о судьбе архива Суетина она рассказала Анне Матвеевой и Глебу Ершову специально для журнала GARAGE Russia № 6. С любезного разрешения редакции GARAGE Russia «Артгид» с гордостью представляет это интервью своим читателям.

Нина Суетина. Июль 2015. Фото: Дмитрий Шубин

GARAGE: Вы родились перед войной. Как прошли ваши первые годы жизни, которые пришлись на Великую Отечественную?

Нина Суетина: Союз художников вывез всех детей с мамами в Башкирию, в город Стерлитамак. Там погибла моя родная мама, Сара Абрамовна Каменецкая. Мама была переводчицей с английского языка: видимо, папа с ней познакомился на каком-то приеме, где она обслуживала какую-то делегацию. Говорят, она была очень красива, — а он любил красивых женщин. После войны мы с бабушкой и дедушкой возвратились в Москву, а потом папа забрал меня сюда, в Ленинград, и Анна Александровна Лепорская (жена Николая Суетина. — Артгид) стала моей второй мамой.

Как читать иконы

Как читать иконы

До XVI века даже неграмотные люди умели «прочитывать» иконы, и одна икона порой заменяла десятки проповедей.

источник Русская семерка

«Они, к сожалению, великими уже и не станут»: ответ Петра Авена художнику Дубосарскому

Никто не ожидал, но Петр Авен ответил художнику Владимиру Дубосарскому. Forbes записал видео. Приятного просмотра.

Дискуссия между председателем правления ОАО «Альфа-банк» Петром Авеном и художником Владимиром Дубосарским завязалась после того, как миллиардер заявил, что русское искусство вторично. Художник поспорил с ним и напомнил о роли коллекционеров в развитии искусства. Миллиардер ответил Дубосарскому.

Три года назад Мартин Рот дал интервью TANR, рассказав об общем с русскими пониманием роли музея и сложностях расставания с Сикстинской Мадонной. Теперь в память о выдающемся музейщике мы публикуем беседу об этом на сайте

ОЛЬГА КОСЫРЕВА источник theartnewspaper.ru

08 АВГУСТА 2017    

Фото: Imago/TASS

Более десяти лет Мартин Рот возглавлял объединение дрезденских музеев, в том числе Галерею старых мастеров, где находится Сикстинская Мадонна. А два года назад он, немец, стал первым иностранцем, который занял пост директора важнейшего британского музея — Музея Виктории и Альберта. «Здравствуйте!» — говорю я по-русски, поскольку кто-то сказал мне, что Мартин родом из Восточной Германии. Он отвечает по-английски.

Коллекционер трагедий

источник artguide.com

Текст: ВАЛЕНТИН ДЬЯКОНОВ 31.01.2017

Кардиохирург Михаил Алшибая курит одну сигарету за другой и говорит, что люди умирают не только от табака. Он знает об этом не понаслышке — и как врач, и как коллекционер богатого на личные трагедии периода в истории русского искусства, 1960-х годов. В собрании Алшибая каждая картина сопровождается историей. В отличие от многих ценителей, он с большей охотой говорит не о шедеврах, а о «персонажах». Слово «собиратель» применительно к Алшибая можно трактовать двояко: и коллекционер, и тот, кто благодаря невероятному энтузиазму и увлеченности собирает из разрозненных кусочков целостную, полную картину советского искусства времен оттепели и дальше. «Артгид» благодарит автора Валентина Дьяконова и фотографа Сергея Шахиджаняна за возможность републикации этого текста, впервые опубликованного в журнале «Артхроника» (№ 12, 2009). Также «Артгид» благодарит Юлию Лебедеву, куратора и хранителя музея «Другое искусство» Музейного центра Российского государственного гуманитарного университета, где экспонируется часть коллекции Михаила Алшибая.

Михаил Алшибая. Фото: Сергей Шахиджанян

Из советской Ниццы

Михаил Алшибая родился в грузинском городе Батуми в 1958 году. В отличие от многих москвичей, старающихся поскорее забыть о провинции, Алшибая относится к своей малой родине со смесью трепета и исследовательского интереса. «Батуми вообще райское место, божественное. Когда хорошая погода, то с ним ничто не сравнится. И в то же время это богом забытый уголок, и так было всегда. Батуми оставался в стороне от исторического процесса. Даже когда в 1919 году британцы оккупировали Батуми и полтора года он был территорией Британской империи. До революции он стал своеобразным porto franco. “Батуми — наша Ницца!” — говорили патриоты и пеняли “денежным мешкам” на то, что они тратят деньги за границей. Конечно, это не Ницца, хотя бы потому, что в Батуми, например, свирепствовала малярия и пришлось осушать болота. С одной стороны, экзотика, с другой — климат не для отдыха. Ливни могут идти неделями». В советское время Батуми превратился в классический провинциальный город со смесью национальностей и языков, но без особого колорита, характерного для некоторых приморских городов вроде Одессы.

« Предыдущие новости